VAN GOGH Y OTROS REFLEJOS DE PARIS.

Se cumplieron el 30 de marzo pasado, 157 años del nacimiento en los Países Bajos, de Vincent Van Gogh, uno de los artistas que mejor reflejaron la yuxtaposición entre el arte de la pintura y todo lo que significaba todo lo referente al vino, como también así, a las bebidas espirituosas hacia finales del siglo XIX en Francia.
Y es que este pintor post impresionista, fue junto a Toulouse Lautrec, Degas, Picasso, Gauguin, y otros grandes artistas de la escena cultural, los que expresaron en sus obras el mundo de la noche, de las luces, los bares y tabernas, siempre acompañados de bebidas que en esa época se consumía en los bares parisinos, como el vino, el champagne, cervezas, whisky y absenta, entre tantas otras.
La diferencia en Van Gogh, fue quizás diametralmente opuesta a Toulouse Lautrec o Paul Gauguin, ya que estos últimos, describían tabernas bulliciosas con bailarinas y grandes grupos de amigos conversando en las mesas, mientras Van Gogh expresaba en sus obras la embriaguez, la depresión, gente sola y perdida por la bebida en la mesa absortos en su soledad. Quizás fuera parte de la adicción y excesos de alcohol que formaba parte de la vida de Van Gogh, pero vale la pregunta de quien describiría la verdadera realidad de la noche parisina, o tal vez pintaban dos imágenes opuestas de la misma realidad, ya que es muy cierto que la burguesía parisina prefería más asistir a esos sitios que estar en sus casas, ya que las reuniones sociales y el encuentro entre amigos estaban en su apogeo.
Entonces Van Gogh va a retratar ese estado de ánimo que lo plasma en desolación y abandono, reflejando quizás palpablemente su pensamiento y sus emociones, pero que mejor en estos casos que compartir esas obras que tanta historia nos divulgan. Bon Appetit.

JUAN GRIS: ARTE, VINO Y PINTURA.

Muchas veces resulta impactante ver lo que puede hacer la expresión del arte sobre la realidad cotidiana, y en numerosas ocasiones hemos comprobado que grandes artistas, no casualmente, han dedicado y trabajado a lo largo de su vida, la influencia que el mundo del vino, ha aportado sobre toda su obra, este es el caso de Juan Gris, que hoy cumpliría 125 años.
Juan Gris es el seudónimo de José Victoriano González, nació en Madrid en 1887, y falleció en Francia a los 40 años de edad, Juan fue considerado uno de los artistas que más ha contribuido a la pintura española de todo el siglo XX, y junto a Picasso y Braque, han sido tres de las figuras más trascendentales que ha dado el movimiento cubista al arte en general.
El Reina Sofía, uno de los Museos más importantes de España y del mundo, posee 19 de las más grandes obras de este artista, pinturas inolvidables relacionadas a la naturaleza muerta, y a otros factores muy importantes como la luz y el espacio. Para no extendernos tanto, nada mejor que compartir esta serie de pinturas, en las que el artista le otorga un lugar especial a los objetos, como la botella, la copa, la guitarra, en planos yuxtapuestos, y deja trascender la apariencia para pasar a ser una construcción de la realidad, y bien vale destacar a su vez, los posicionamientos horizontales, verticales y tridimensionales que el autor representa más allá de las múltiples líneas y planos y el énfasis que el artista dará principalmente a los objetos, destacando su nitidez, para abstraerlos de la ilusión. Indudablemente, Juan Gris, para disfrutar junto a un buen vino. Bon Appetit.

AJENJO, ABSENTA, HADAS…TODO UN ARTE.

Escribir sobre el ajenjo produce inevitablemente cierta atracción en muchos sentidos, ya que no solo se lo identifica con una bebida muy llamativa en cuanto a sus colores, aromas, sabores, etc, sino también con la planta que tantas historias entrelaza ya que está enmarcada en una larga historia cultural que reúne a un gran número de artistas e intelectuales que le otorgaron notable repercusión a la que la absenta por sus propios medios había conquistado.
Históricamente a la planta de ajenjo se lo ha documentado tempranamente, los egipcios en los 1600 a.c. lo adoptaron por sus efectos terapéuticos, siendo en esos tiempos digestivo, uno de los problemas médicos más serios en esas poblaciones. Pero también los griegos lo utilizaban para la malaria y por sus efectos benéficos de tonicidad, añadiendo también que a esta planta las huellas de la historia indican que fue investigada desde Hipócrates hasta Galeno.
Según cuenta la historia, un médico franco-suizo, llamado Pierre Ordinaire, descubrió la receta en 1792 difundiendo y comercializando como un excitante elixir, aunque destacando que el ajenjo era principalmente una planta medicinal que fue recomendada desdes su origen para alivio de muchas enfermedades. En principio, la absenta se elabora con la maceración y la destilación del regaliz y con su principal ingrediente que son los tallos y hojas de ajenjo, en el cual se encuentran los terpenos denominados beta tuyonas que son sus principales componentes y que en la actualidad se permite un máximo de 10 mg. por litro. La palabra absenta deriva del latín absinthium que proviene del griego, apsinthion, y se traduce como no bebible, y era también conocida como “Fee Verte”, el hada verde, por la planta que la origina, llamada Artemisia absinthium.
En los bares de Francia, los primeros actores sociales consumidores de ajenjo fue la burguesía parisina, y entre finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, se instaló en toda el círculo de la intelectualidad francesa, tal es así que a las 5 de la tarde se impuso como moda “la hora verde”, en el que todo el movimiento bohemio se volcaba a los bares a beber absenta.
Fue en ese contexto, que intelectuales de todas las artes como Van Gogh, Degas, Toulouse Lautrec, Paul Verlaine, Charles Baudelaire, Oscar Wilde, Gustave Flaubert, Arthur Rimbaud, Pablo Picasso, Edgar Alan Poe, y hasta cantantes como Carlos Gardel, que gustaba beber ajenjo y que hace referencia en algunos de sus temas citando al poeta Enrique Cadícamo, y así muchos otros ejempolos como las grandes obras del pintor Edgar Degas donde describe y parece desnudar pensamiento y realidad con tal virtuosismo en “La Absenta” en el café Guerbois, en el que muestra a una pareja adormecida por la absenta y por su realidad, donde corre los velos de la marginalidad y el aislamiento social en el que Francia se encuentra, expresando una etapa en que el consumo de ajenjo pasará de la burguesía a las clases populares que también reflejará Picasso con “El bebedor de absenta”, o Van Gogh con “Naturaleza muerta con absenta”.
La preparación de esta bebida ya estaba rodeada de una mística y una ceremonia especialmente peculiar e incluso no se lo bebía puro ya que su graduación alcohólica llegaba hasta unos 89º, entonces se escanciaba la absenta en una copa de cristal, con una cuchara con perforaciones, luego se colocaba un terrón de azúcar por arriba y se le agregaba agua fría para rebajarla hasta un tercio de la copa y finalmente se bebía el verde contenido de un trago.
No es necesario aclarar que este agregado de agua era por el peligro que significaba consumir el ajenjo en estado puro y los problemas que normalmente ocasionaba su gran consumo y es que a partir de esas épocas en las que aparece ese extraordinario rito ceremonial, pero quien mejor que Oscar Wilde la dialéctica y la problemática de su consumo…. “No maldecimos al mar por los desastres ocasionales que causa a nuestros marinos. Así como pertenecen al ajenjo vicios y peligros especiales, también posee gracias y virtudes que no adornan a ninguna otra bebida (...)”. Bon Appetit.

LUCES EN COLOME.

LUCES EN COLOME. En la provincia de Salta, la Bodega Colomé del Grupo Hess, posee un Museo, en el que se encuentran las obras del artista James Turrell, que expone en sus nueve obras, dibujos e impresiones, sobre el espacio y la luz.
Este museo fue inaugurado en Bodegas Colomé, debido a la amistad entre James Turrell y Donald Hess, y su obra apunta a la utilización de la luz, para crear espacios y con la finalidad de generar nuevas percepciones, ya que según explica el artista, los seres humanos ya estamos, estructuradamente acostumbrados, a visualizar los objetos, y los espacios, de un cierto modo, ante la realidad.
Entonces para Turrell, la concepción de esa luz, sería un puente entre lo que se ve, y lo que no se ve, lo material y lo inmaterial, para poner constantemente, a prueba nuestros sentidos, o sea que la luz crearía una ilusión de nuevas formas y nuevos objetos, también es muy reconocido por sus obras de Skyspace, que consisten en una gran sala cerrada, y en la que se realiza la apertura del techo de unos 5 metros, permitiendo ver a los espectadores el cielo, ésta se llama Uncen Blue.
De las nueve obras de Turrell, en Colomé, cuatro incorporan diariamente el uso de luz natural, y lo que señala Hess, en donde todos los espacios que hay, son similares, en cuanto al uso de la luz, ya que todo el proceso de la viticultura, necesita de ese espacio abierto, para la vida de la uva, que influye sobre sus taninos, aromas y sabores, y que va a determinar, finalmente el sabor del vino. El espacio de exhibición de casi 1.800 m2, del Museo James Turrell, de la Colección de Arte Hess, fue construido, en base a las especificaciones del artista, y se encuentra abierto durante 350 días, en el año, desde las 11 a las 15 horas y su entrada es libre y gratuita, quizás para acompañar la visita con un Colomé Malbec Estate 2007. Bon Appetit.

ANTONIO BERNI: LAS PUERTAS ABIERTAS… AL VINO.

Antonio Berni fue un pintor argentino nacido en Rosario, en 1905, y toda su obra desnuda su preocupación por las cuestiones sociales de la vida diaria, y sobre todo por las más injustas que la atravesaban, y es bueno recordarlo también desde el sector vinícola, con la etiqueta de su obra “La Puerta Abierta”, que Navarro Correas le puso a uno de sus vinos hace unos años.Una pequeña reseña histórica para señalar que a los 15 años, Antonio Berni, ya estaba exponiendo paisajes suburbanos de la ciudad, sobre óleo, los primeros años lo fueron llevando hacia el paisajismo y al impresionismo, y con el viaje a España, plasmaría toda su preocupación social, en obras como “Puerta cerrada”. Para esa época tuvo un gran acercamiento con el surrealismo, tratando por todos los medios de expresar esa liberación del inconsciente, como sucede con los sueños, y dejar a un lado a la razón, para ver las múltiples expresiones del mundo interior, su disimilitud con la realidad misma, y donde se iban a visualizar todas las más inefables conexiones, que dieran lugar a un análisis racional.A todo esto, Berni, ya recorría Europa, en París conocería a Magritte, y lo ingresaría definitivamente en el mundo surrealista, seguiría con toda sus preocupaciones sociales que lo llevarían a comprometerse con muchas organizaciones sociales en el mundo, y con muchos grupos de acción política.En 1932, pinta “La Puerta Abierta”, donde se puede observar un gran rompecabezas de objetos, de simbolismos, de colores, pero sobre todo el énfasis en la perspectiva, esa que no sabe de distancias en el surrealismo, la puerta, el muro, el gran alfiler, la llave y esos cubos, no permiten analizar este ir y venir, no se sabe de las distancias, de los espacios entre las cosas, y el juego constante de lo real y lo irreal, y su determinación en las sensaciones, las emociones, los miedos y el poder transmitir de algún modo, todos los hechos de la realidad social. Esta obra, denominada “La Puerta Abierta”, es la que la Bodega Navarro Correas, llevó a su etiqueta, imágen que orilla los límites entre la realidad y los sueños, y que está coronada en un botella Gran Reserva Cabernet Sauvignon 2002, fue entregada en su momento para la Colección Constantini en el Malba, alcanzando una partida de 4.000 botellas.El devenir de Antonio Berni, sería muy enriquecedor desarrollarlo ampliamente, con la aparición, y el desarrollo en sus obras de los personajes “Juanito Laguna” y “Ramona Montiel”, y la contextualización de todo el preocupante entorno de desocupación y pobreza, que expresa en su visión de esa realidad, una mirada hasta irónica, que afortunadamente se dedica a retratar situaciones de la vida diaria, siendo sumamente valederas, de este modo, todas las razones que lleven a recordar el arte como un placer con mucho sentido, como una semilla para la conciencia. Bon Appetit.

PLACERES A DUO: LA PINTURA Y EL VINO.

A lo largo de la historia, y hasta el presente, se han dado muchas enlazamientos entre las diferentes obras que ofrece un arte, pero lo cierto es que cuando el arte se remite a las pinturas y al vino, los placeres se sincronizan de muchas y variadas formas, a eso enfoca esta nota.Se han realizado obras desde el siglo XV, hasta la actualidad, que ofrecen otra cara de lo que es el arte en si, y que está dado por el papel protagónico que se le otorga al vino. Una muestra de eso se puede ver en el Museo del Prado, en Madrid, en el cual, durante el recorrido, se observan obras muy famosas, como “Baco o la monstrua desnuda” de Juan Fernández, “El sacrificio a Baco” de Massimo Stanzione, “La Bacanal” de Nicolás Poussin “La Bacanal de los Andrios” de Tiziano, “El gusto” de Jan Brueghel I, “El rey bebe” de David Teniers, “La ofrenda a Baco” de Michel-Ange Houasse, o “La vendimia” de Goya, entre otras obras. La mayoría de estas obras, al margen de su contenido artístico, histórico, cultural, tienen en común al vino, sobre todo teniendo en cuenta que al Museo del Prado lo han calificado como la pinacoteca más importante del mundo, ya que participan, aparte de autores españoles, también holandeses, belgas, y artistas de Europa Central.La raíz de este núcleo de obras en el Prado, se sintetiza en desplegarle al público, mediante estas famosas obras, todo lo que ha sucedido con el vino desde unos cuantos siglos atrás, como parte de la cultura y de la civilización, permitiendo interpretar las mitologías concernientes, y todo el desarrollo social, que incluye el trabajo de la vendimia, principalmente, (como base de relaciones sociales).En conclusión, todo este tipo de muestras artísticas sirve para conocer y disfrutar de obras que, pueden tener que ver o no con el vino, pero forman partes de un mismo placer, y en la acción de catar un buen vino, lo que se percibe en vista, nariz y boca, también podemos “catar” una obra de arte, y saber que mientras uno va reinterpretándola en toda su complejidad, se van a ir encontrando nuevas formas, colores, sensaciones, y, obviamente, placeres